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Immersivi, dai colori sgargianti e dalle prospettive dilatate come grandangoli. Paesaggi urbani inusuali che prendono vita da un preciso disegno a matita.
Nathan Walsh è un pittore contemporaneo britannico, nato a Lincoln. La sua è una ricerca continua volta all’applicazione di nuove tecniche e sperimentazioni pittoriche.
Gli abbiamo posto alcune domande per capire qualcosa di più sul processo creativo dei suoi quadri giganti e complicatissimi. Vi invitiamo a perdervi nei suoi dettagli, non solo per amanti di NYC.
Come hai iniziato a ritrarre NYC nelle sue molte sfaccettature?
Credo che alcune persone nascano con il desiderio di rispondere ai propri bisogni creando cose. Questo potrebbe essere un mobile o un motore a reazione, ma l’impulso iniziale è lo stesso. Non sono sicuro di aver mai preso la decisione consapevole di diventare un artista a tempo pieno, ma certamente avevo il desiderio di sviluppare e migliorare i dipinti che avevo disegnato. La nozione di miglioramento è essenziale per la mia attività, sarebbe molto difficile giustificare il tempo trascorso su qualcosa che saprei già come fare. Sono entusiasta di vedere fino a dove possono essere esplorate le idee e come posso trovare soluzioni più eleganti e complesse ai problemi visivi. Ho studiato disegno, pittura, incisione e tipografia e hanno lasciato un segno nella mia attività attuale. Sebbene la pittura realista non sia particolarmente popolare nel Regno Unito, ho avuto la fortuna che durante il mio master insegnassero due eccezionali pittori realisti, con uno dei quali, Clive Head, sono rimasto in contatto fino ad oggi. Head è uno dei pittori figurativi contemporanei più significativi e le sue opere e la sua scrittura hanno avuto un’influenza fondamentale su di me. Ho iniziato ad esporre le mie opere a New York nel 2012 e da allora continuo a farlo. Andando due o tre volte all’anno a NYC, aveva senso usare ogni visita come un’opportunità per trovare nuovo materiale da ritrarre.
I tuoi dipinti seguono un processo complicato e molto preciso. Vuoi spiegarcelo?
Prima di visitare una città, tendo a non avere un’idea chiara di cosa mi piacerebbe dipingere, tendo semplicemente a girare intorno, come un Flaneur che aspetta qualcosa con cui connettersi. Quando trovo qualcosa di interessante scatto numerose fotografie di un luogo e produco una serie di schizzi. Ultimamente ho trovato lo sketchbook sempre più importante anche per le note sul colore o qualsiasi cosa stia pensando in quel momento. Questa immediata risposta personale all’ambiente gioca un ruolo importante quando torno nel mio studio nel Regno Unito.
Setaccio la materia prima che ho raccolto e realizzo una serie di disegni da cartolina che suggeriscono potenziali dipinti. Li appendo al muro dello studio e vivo con loro per un po’, la maggior parte viene scartata, ma quello che scelgo deve avere il maggior potenziale visivo per realizzare una pittura dinamica su vasta scala. Una volta che ho deciso le dimensioni del dipinto, comincio a disegnare gli elementi in modo abbastanza sciolto e organico. Il disegno a mano libera è fondamentale per tutto il mio lavoro, permettendomi di acquisire la piena proprietà del materiale fotografico. Rifiutare il trasferimento meccanico delle immagini mi costringe a costruire ogni oggetto da zero consentendo un approccio fluido e creativo. Il fissaggio di elementi pittorici per separare i punti di fuga consente la costruzione di uno spazio indipendente dalla realtà e da qualsiasi registrazione fotografica della scena. Una linea dell’orizzonte mutevole consente allo spettatore di guardare su e giù nello spazio e mettere in discussione la loro posizione in relazione alla scena.
Questa fase di disegno può richiedere fino a un mese per un grande dipinto, in qualche modo potrebbe essere considerata la parte più creativa della mia attività. Una volta completato, spargo una glassa di pittura ad olio e inizio a bloccare le aree di colore con lavaggi di vernice fortemente diluiti. Nei mesi successivi vengono verniciati e levigati strati di vernice. L’obiettivo non è quello di imitare la piattezza di una fotografia statica ma di fare riferimento a una ricca trama di pittura europea e americana, vedendolo da vicino il mio lavoro rivela infatti un sistema personale di marcatura e ricerca delle proprietà fisiche della pittura ad olio. La superficie e la trama stanno diventando sempre più importanti per me, trovare nuovi modi di applicare e manipolare la vernice porta a risultati più ricchi e inaspettati.
Come ti sei avvicinato all’iperrealismo e quali sono gli artisti che ti hanno ispirato maggiormente?
Sono influenzato da centinaia di altri artisti provenienti da diversi movimenti e periodi di tempo. La prima generazione di pittori foto realisti ha sicuramente influenzato la mia attività. Tuttavia, chiunque veda il mio lavoro di persona non mi etichetterebbe come foto realista. Il mio lavoro è costruito su un linguaggio visivo personale in cui il disegno è la chiave. L’uso della pittura e del colore è anche esplorativo e fa riferimento a molti altri artisti. Per essere pienamente apprezzata, la prima e forse più creativa generazione di artisti fotorealistici deve essere vista nella vita reale. Penso che parte del problema con lavori che hanno avuto successo o da cui siamo ispirati derivi dal fatto che sono stati fruiti come riproduzioni. Ad esempio, Richard Estes e John Salt erano in primo luogo e soprattutto pittori, la forza del loro lavoro era radicata in parte nell’esplorazione personale di metodi e materiali. Il loro lavoro dipende dalla creazione del segno espressivo e dal pensiero creativo, un’aderenza troppo stretta alla fotografia o alle immagini digitali, credo che possa portare a esiti eccessivamente meccanici e artificiali. Quando lavoro, capisco che il successo di un determinato dipinto dipenderà dalle mie decisioni e non dalle soluzioni che una fotocamera o un pacchetto software potrebbero offrirmi. Più si costruisce sulle mie decisioni, più si allontana dalla realtà oggettiva, forse non a livello onirico, ma certamente il miglior lavoro che ho fatto ha una qualità allucinatoria. Sarà interessante vedere dove questa nuova esplorazione ci può condurre, certamente negli ultimi anni alcuni artisti hanno fatto passi da gigante.
Progetti futuri?
Cerco di non realizzare lo stesso dipinto due volte, né di realizzare un dipinto nello stesso modo, altrimenti la mia vita in studio diventerebbe poco interessante. Mi stimola l’idea che il lavoro diventi più complicato, più espansivo nello spazio e altrettanto più coinvolgente per lo spettatore. È probabile che questi obiettivi trovino forma attraverso l’essere giocosi in studio, ponendo sfide più difficili e cercando quindi soluzioni più eleganti. ‘Oculus‘ è il primo di tre lavori che celebrano l’energia e il dinamismo di New York. Questi dipinti esplorano una combinazione di spazio interno, esterno e riflesso. Non sono documenti di un luogo specifico o di un momento particolare, ma propongono una nuova realtà dipinta. Questo approccio alla creazione di immagini si pone in modo molto distante dal tenere uno specchio che rifletta il nostro mondo duplicando ciò che vediamo. Direi che è più vicino nello spirito ai pittori modernisti del primo Novecento, in particolare i futuristi. Tuttavia, invece di una realtà frammentata, propongo un’alternativa coerente e convincente. Si tratta di dipinti complessi e sfaccettati in natura, che parlano dell’esperienza di trovarsi all’interno del paesaggio urbano.
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